A Revista Música e Cultura é um periódico que busca valorizar a produção de saberes da comunidade acadêmica e não acadêmica vinculadas aos estudos em música e cultura. Além disso pretende destacar as contribuições locais, regionais, nacionais e internacionais da Etnomusicologia e dos estudos interdisciplinares em música e cultura.
O palco como cartaz: Entre espetáculo e participação no Festival do Folclore de Olímpia
Este artigo analisa o Festival do Folclore de Olímpia (FEFOL) a partir das tensões entre lógica espetacular e participação comunitária que configuram suas práticas performáticas. Embora o festival opere sob dispositivos típicos do espetáculo, como palcos profissionais, cronometragem das apresentações e formatos orientados ao consumo turístico, argumenta-se que as manifestações populares ali exibidas preservam dinâmicas próprias de aprendizagem, sociabilidade e pertencimento. Com base nos conceitos de comunidades de prática (Wenger, 2008), performance participativa (Turino, 1998) e musicar (Small, 1998), evidencia-se que os grupos mobilizam saberes e vínculos que ultrapassam o evento. O FEFOL constitui, assim, um novo contexto de performance, no qual rituais tradicionalmente situados em territórios específicos são condensados e reorganizados para a cena pública. No entanto, em ensaios abertos, encontros musicais espontâneos, convivências em alojamentos e trocas entre grupos, emergem zonas de participação ampliada que reativam lógicas comunitárias. A metáfora do “palco como cartaz” permite compreender o festival como dispositivo de visibilidade que projeta culturas populares a públicos heterogêneos sem suprimir suas dinâmicas internas. Espetáculo e participação coexistem, portanto, em tensão produtiva, configurando o festival como arena híbrida na qual tradição, mediação institucional e reinvenção contemporânea se entrelaçam. This article analyzes the Festival do Folclore de Olímpia (FEFOL) through the tensions between spectacle and community participation that structure its performative practices. Although the event operates under a spectacular logic-marked by professional stages, timed presentations, and tourism-oriented formats, it is argued that the popular manifestations presented there maintain dynamics of learning, sociability, and belonging that extend beyond the festival. Drawing on the concepts of communities of practice (Wenger, 2008), participatory performance (Turino, 1998), and musicking (Small, 1998), the study demonstrates that FEFOL functions as a new context of performance in which rituals originally tied to specific territories are condensed and reorganized for the public stage. Outside formal presentations, however, open rehearsals, spontaneous musical gatherings, daily interactions in lodging spaces, and intergroup exchanges create expanded zones of participation that reactivate community logics. The metaphor of the “stage as poster” clarifies how the festival serves as a visibility device, projecting popular cultures to heterogeneous audiences while preserving internal logics. Thus, spectacle and participation coexist in productive tension, making the festival a hybrid arena in which tradition, institutional mediation, and contemporary reinvention intertwine.
Dossiê – "Etnomusicologia da Festa: Encontros, Confluências e Celebrações"
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Desafio Improvisado - breves notas de pesquisa sobre o Calango
O Calango constitui uma expressão poético-musical e de dança com grande presença em diversas manifestações culturais populares, sobretudo, na região sudeste. O texto apresenta alguns elementos constitutivos do calango como desafios improvisados, linhas temáticas, sociabilidade festiva, entre outras coisas, principalmente na região do médio Vale do Paraíba, mais especificamente, o Vale do Café/RJ. Metodologicamente, a análise percorre a parca literatura sobre o assunto, além de trazer alguns registros de mestres entrevistados e manos recentes. Trata-se de texto exploratório e parcial tendo em vista o fato da pesquisa ainda estar em desenvolvimento.
Calango. Vale do café. Eficácia simbólica. Performance. Circularidade cultural.
Calango; Vale do Café; symbolic efficacy; performance; cultural circularity
Som, protesto e ambiências festivas: Por uma abordagem sensível da festa em manifestações no Recife
O artigo propõe compreender as festas como ambiências sensíveis, tomando como ponto de partida uma perspectiva fenomenológica (MERLEAU-PONTY, 1999) e uma leitura comunicacional das práticas urbanas (REGUILLO, 1995). A partir da definição de ambiência como “espaço-tempo vivido de modo sensível” (THIBAUD, 2020), investigamos a dimensão sonora e corporal de protestos, argumentando a presença de ambiências festivas. São apresentados dois estudos de caso realizados na cidade do Recife: o protesto contra os cortes orçamentários nos institutos federais, em 2019, e o ato em solidariedade ao povo palestino em 2023. Ambos são analisados das formas de vinculação social que os sons, gestos e performances produzem (BIELETTO-BUENO, 2020). O objetivo deste artigo é discutir de que modo experiências urbanas como protestos - não denominados de antemão como festas - podem ser compreendidas na sua capacidade de produção do comum, a partir do ato de festejar. A hipótese central sustenta que as ambiências festivas emergem não apenas em situações de celebração, mas também em contextos de conflito e reivindicação, como em protestos, funcionando como modos de imaginação coletiva e formas de comunicação urbana. A metodologia combina fenomenologia e etnografia sensível, com base em escutas situadas, observações recorrentes e relatos testemunhais. Buscamos com o artigo localizar os sinais da experiência festiva não mais na lógica representacional – as festas nos seus limites institucionais e facilmente reconhecidos - mas nas possibilidades oferecidas pela vitalidade urbana na partilha das sensibilidades (RANCIÈRE, 2014).
Confluências da Etnomusicologia com a Linguística Aplicada em pesquisas sobre o samba
Este texto tem por objetivo apresentar as confluências (Bispo, 2023) entre a Etnomusicologia e a Linguística Aplicada, não só no que diz respeito aos construtos teórico-metodológicos, mas aos desafios políticos e epistemológicos que atravessam as áreas. Um pressuposto fundamental é o fato de ambos os campos de estudo não observarem a linguagem e/ou a música apenas como técnica neutra ou construto abstrato, mas como práticas sociais situadas (Lühning e Tugny, 2016; Haraway, 1995). Portanto, propomos uma análise comparada a partir de uma pesquisa de doutorado que está sendo realizada nas favelas Chapéu-Mangueira e Babilônia no Rio de Janeiro, que tem a prática comunitária do samba como tema. Concluímos que, a Etnomusicologia e a Linguística Aplicada compartilham potências epistêmicas capazes de confrontar o colonialismo acadêmico, trazendo para discussão científica sujeitos e temas historicamente subalternizados, como, por exemplo, os povos e práticas da diáspora africana.
Samba de Couro em Trancoso-BA e suas epistemes corporificadas
Este trabalho busca compreender o Samba de Couro que acontece em Trancoso-BA enquanto movimento de resistência, memória cultural e produção de conhecimento. Apresentamos os saberes ancestrais que emergem dessa manifestação popular, saberes estes de origem afrodiameríndia que vieram nos corpos dos negros africanos que foram escravizados, e estão presentes nos ritos que constituem as festas, em especial em homenagem a São Sebastião e São Brás. Os tempos do samba são descritos através dos relatos de dois sambadores nativos que vivenciam essa manifestação popular desde sua infância na região. Pegar o mastro na mata, levá-lo para a preparação, cortar bandeiras, fitas e flores para compor a decoração, são momentos que antecedem a festa propriamente dita, que serão descritos e analisados no decorrer deste estudo. Esta é uma tradição cênico-poético-musical que ocorre em diversos festejos pelo país. Para compreender como o samba de couro se configura enquanto uma episteme, recorro às reflexões de Simas e Rufino (2018), Souza e Barbosa (2012), Domenici (2009) e Kaphagawani e Malherbe (2019), dentre outros. Palavras-chave: samba de couro; etnografia; cênico-poético-musical This paper seeks to understand how samba de couro, as a popular form of knowledge, is configured as a movement of resistance, cultural memory and production of knowledge, and to present the ancestral knowledge that emerges from the popular manifestation Samba de Couro, especially that which takes place in Trancoso, a district of Porto Seguro, located in the extreme south of Bahia. Samba de couro is a scenic-poetic-musical tradition that occurs in various celebrations throughout the country. This knowledge of Afro-diasporic origin was carried in the bodies of black Africans who were enslaved and is present in the rites that constitute the festivals, especially in honor of the Catholic saint São Sebastião. Getting the pole from the forest, taking it to be prepared, cutting flags, ribbons and flowers to compose the decoration, until the day of the festival are present, described and analyzed throughout this study. The times of samba are described through the accounts of two native samba dancers who have experienced this popular manifestation since their childhood in the region. To understand how samba de couro, as a popular manifestation, is configured as a resistance movement, cultural memory and producer of epistemes, I resort to the reflections of Simas and Rufino (2018), Souza and Barbosa (2012), Domenici (2009) and Kaphagawani and Malherbe (2019).
Fiesta y Trabajo: Tres casos de cantos de faena en José María Arguedas y Jacques Roumain.
Com base nas considerações teóricas de Giorgio Agamben, Carlo Bonfiglioli, Jerusa Pires, Paolo Vignolo, Sara Largo e Rodrigo Elizondo sobre a festa, especialmente em sua forma popular, abordamos três casos de cantos de trabalho (semeadura, colheita e mutirão), a partir de duas crônicas antigas do peruano José María Arguedas e do romance Senhores do orvalho, do haitiano Jacques Roumain, dois escritores muito ligados à etnologia, com o objetivo de explorar um âmbito, aparentemente contraditório, que entrelaça festa e trabalho, com a cantiga de trabalho no seu centro. Para tanto, baseamo-nos também nas necessárias considerações antropológicas de Raúl Romero e Michaelle Ascencio, entre outros. A festa revela-se assim num plano complexo de encontros e confrontos, com suas tensões, contrastes, contradições e políticas, e onde as diversas etapas e funções do canto operam como um regime de articulação em todos os momentos. Falamos, então, da festa enquanto trabalho e da sua toada. Con base en las consideraciones teóricas de Giorgio Agamben, Carlo Bonfiglioli, Jerusa Pires, Paolo Vignolo, Sara Largo y Rodrigo Elizondo sobre la fiesta, especialmente en clave popular, abordamos tres casos de cantos de faena (siembra, cosecha y cumbite), a partir de dos crónicas tempranas del peruano José María Arguedas y la novela Gobernadores del rocío, del haitiano Jacques Roumain, dos escritores muy ligados a la etnología, con el fin de explorar un ámbito, aparentemente contradictorio, que entrecruza fiesta y trabajo, con la tonada de labor en su centro. Para ello, nos apoyamos también en las necesarias consideraciones antropológicas de Raúl Romero y Michaelle Ascencio, entre otros. La fiesta se revela dentro de un plano complejo de encuentros y desencuentros, con sus tensiones, contrastes, contradicciones y políticas, y donde las diversas etapas y funciones del canto operan como régimen de articulación en todo momento. Hablamos, así, de la fiesta en tanto trabajo y su tonada. Based on the theoretical reflections of Giorgio Agamben, Carlo Bonfiglioli, Jerusa Pires, Paolo Vignolo, Sara Largo, and Rodrigo Elizondo regarding festivity—particularly in their popular forms—we address three examples of work songs (planting, harvesting, and cumbite), based on two early chronicles by the Peruvian José María Arguedas and the novel Gobernadores del rocío by the Haitian Jacques Roumain—two writers closely linked to ethnology—in order to explore an apparently contradictory realm that brings together festivity and labor, with the work song at its center. To this end, we also draw on the valuable anthropological insights of Raúl Romero and Michaelle Ascencio, among others. The festivity emerges within a complex landscape of encounters and clashes, with its tensions, contrasts, contradictions, and politics, where the various stages and functions of the song operate as a framework of articulation in every moment. We are thus talking about festivity as work and its accompanying song.
Cantos, corpos e devoções em festa: Etnomusicologia da religiosidade popular na Amazônia
O artigo analisa a religiosidade popular amazônica a partir de uma perspectiva ensaística da etnomusicologia da festa, compreendendo a música como prática social, performativa e ritual que constitui a experiência festiva. A adoção do ensaio justifica-se pela natureza sensível, situada e processual do fenômeno, permitindo articular descrição etnográfica e reflexão teórica, ao mesmo tempo em que reconhece a escuta e a experiência como dimensões centrais da produção de conhecimento. Tomando como referência o Círio de Nazaré e festas de padroeiros no Pará, o texto investiga como cantos, ladainhas, rezas entoadas, silêncios e sonoridades do deslocamento coletivo estruturam a experiência ritual e produzem pertencimento. A festa é compreendida como acontecimento sonoro expandido, no qual corpo, espaço e escuta se articulam de forma indissociável. Em diálogo com a etnomusicologia contemporânea, argumenta-se que a musicalidade não se limita a repertórios formalizados, mas emerge na performance, na repetição e na circulação de vozes e afetos. A escrita ensaística, nesse sentido, assume a abertura e a incompletude como estratégias analíticas coerentes com a complexidade das festas amazônicas. Ao evidenciar a centralidade da performance e da paisagem sonora, o artigo contribui para o debate sobre uma etnomusicologia da festa, destacando a música como mediadora entre fé, memória e território na Amazônia. This article analyzes Amazonian popular religiosity from an essay-based perspective within the ethnomusicology of the festival, understanding music not as an isolated object but as a social, performative, and ritual practice that constitutes the festive experience itself. The adoption of the essay as a methodological approach is justified by the sensitive, situated, and processual nature of the phenomenon, allowing for an articulation between ethnographic description and theoretical reflection, while recognizing listening and lived experience as central dimensions of knowledge production. Taking as reference the Círio de Nazaré and patron saint festivals in the state of Pará, the article examines how chants, litanies, sung prayers, silences, and the sonicities of collective movement structure ritual experience and produce a sense of belonging. The festival is approached as an expanded sonic event in which body, space, and listening are inseparably intertwined. In dialogue with contemporary ethnomusicology, the article argues that musicality is not limited to formalized repertoires but emerges through performance, repetition, and the circulation of voices and affects. In this context, essay writing assumes openness and incompleteness as analytical strategies consistent with the complexity of Amazonian festivals. By highlighting the centrality of performance and soundscape, the article contributes to debates on the ethnomusicology of the festival, emphasizing music as a mediator between faith, memory, and territory in the Amazon.
Carta dos Editores Revista Música e Cultura (ISSN 1980-3303) Dossiê “Etnomusicologia da Festa: Encontros, Confluências e Celebrações”
Edilberto José de Macedo Fonseca Fonseca
O Festival Kizomba: “Onde está o Almirante Negro?”- desafios etnomusicológicos na música como gesto político
Esse artigo apresenta um estudo etnomusicológico sobre o Festival Kizomba em Porto Alegre (2021-2024). Por meio da descrição etnográfica, apresento os desafios encontrados no trabalho de campo, em diálogo com Barz; Cooley (2008), Kazadi (2024), Nketia (1990), além de outros autores e autoras. Tenho como objetivo a análise da pergunta “onde está o Almirante Negro?”, articulando-a aos escritos de Cusick (2006), que escreve sobre os usos opressivos da música como arma. Em contraponto, reflito como o festival aciona práticas sonoras que operam como gesto político de não apagamento, reafirmando publicamente a memória de João Cândido, líder da Revolta da Chibata, que lutou contra a tortura. This article presents an ethnomusicological study on the Kizomba Festival in Porto Alegre (2023-2024). Through ethnographic description, I present the challenges encountered in fieldwork, in dialogue with Barz; Cooley (2008), Mukuna (2024), Nketia (1990), as well as other authors. My objective is to analyze the question "where is the Almirante Negro?", articulating it with the writings of Cusick (2006), which highlight the oppressive uses of music as a weapon. In contrast, I reflect on how the festival activates sound practices that operate as a political gesture of non-erasure, publicly reaffirming the memory of João Cândido, leader of the Revolta da Chibata, who fought against torture.
Prática feminista em espaços liminares: Um estudo de caso de Baque de Mina
Este artigo apresenta um estudo de caso sobre Baque de Mina, um coletivo feminista de maracatu sediado em Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil, durante o festival Virada Cultural de 2023. Com base em teorias sobre espaços liminares, examino como o Baque de Mina habita zonas de transição — físicas (túneis, ruas, praças), sociais (entre hierarquia e coletividade) e temporais (festivais e transições da vida) — para transformar a ambiguidade em uma prática de resistência feminista. Dentro desse grupo de mulheres, os ensaios e apresentações funcionam simultaneamente como espaços de treinamento musical, cuidado mútuo e solidariedade política, ao mesmo tempo em que revelam tensões em torno da liderança, inclusão e desigualdade estrutural. Situando o Baque de Mina dentro das hierarquias de gênero e raça mais amplas do Brasil e da esfera historicamente dominada pelos homens do Maracatu de baque virado, destaco como sua prática exemplifica a forma como as mulheres mobilizam as tradições culturais afro-brasileiras para contestar a violência patriarcal e renegociar a identidade. Em última análise, o estudo de caso repensa a liminaridade como um método feminista baseado na prática musical incorporada, que permite às mulheres criar espaços temporários, mas transformadores, onde novas identidades coletivas podem surgir. This article presents a case study of Baque de Mina, a feminist maracatu drumming collective based in Belo Horizonte, Minas Gerais, Brazil, during the 2023 Virada Cultural festival. Drawing on theories of liminal spaces, I examine how Baque de Mina inhabits transitional zones—physical (tunnels, streets, squares), social (between hierarchy and collectivity), and temporal (festivals and life transitions)—to transform ambiguity into a practice of feminist resistance. Within this group of women, rehearsals and performances function simultaneously as spaces of musical training, mutual care, and political solidarity, while also revealing tensions around leadership, inclusivity, and structural inequality. Situating Baque de Mina within Brazil’s broader gendered and racialized hierarchies and the historically male-dominated sphere of maracatu de baque virado, I highlight how their practice exemplifies how women mobilize Afro-Brazilian cultural traditions to contest patriarchal violence and renegotiate identity. Ultimately, the case study rethinks liminality as a feminist method grounded in embodied musical practice, which enables women to carve out temporary but transformative spaces where new collective identities can emerge.
O Fole nas festas: Cartografia social dos sanfoneiros de 8 baixos em Pernambuco
Este artigo realiza uma cartografia social dos sanfoneiros de oito baixos em Pernambuco, compreendendo a festa como território sonoro e político no qual o fole atua como mediador de sociabilidades, trabalho e memória. A pesquisa baseia-se em entrevistas com músicos em atividade e observação etnográfica durante festejos juninos e eventos comunitários, buscando compreender como se organizam os circuitos de trabalho, repertórios e práticas de transmissão oral. Ancorado em autores como Trotta, Ortiz e Martins, o estudo revela que a materialidade do instrumento se manifesta sobretudo em festas informais, marcadas por negociações com o poder público e por estratégias de resistência frente à burocratização das celebrações populares. As práticas musicais dos sanfoneiros atualizam repertórios tradicionais e constroem identidades que atravessam disputas simbólicas por reconhecimento e pertencimento cultural, reafirmando o papel das festas como espaços de reexistência sonora e social no Nordeste.
As Danças e Rodas de São Gonçalo, Quilombolas e Caiçaras e a Temporalidade Helicoidal: Uma teoria etnográfica músico-cosmológica
Este ensaio deriva das Danças e Rodas de São Gonçalo entre comunidades quilombolas e caiçaras brasileiras uma teoria etnográfica da temporalidade helicoidal. Partindo de uma abordagem etnográfica e musicológica, o trabalho problematiza a origem histórica dessas festas, tradicionalmente associadas a Portugal, e propõe uma análise que considera a ancestralidade e as práticas culturais como constitutivas - no sentido forte do termo - da comunidade política dessas populações. Fundamenta-se em teorias sobre ritmo como aparato técnico (Foucault) e sobre temporalidades não-lineares (Martins, Mbiti), que reconhecem a circularidade, espiralidade e helicoidalidade do tempo vivido. A metodologia incluiu análise de fontes históricas, relatos etnográficos e entrevistas com mestres e participantes das rodas de São Gonçalo em Lagoa das Emas (PI) e Cananéia (SP). Os resultados evidenciam três marcadores helicoidais: (i) reinício com diferença, em que cada festa cria uma temporalidade própria vinculada a cosmo-lógicas ancestrais; (ii) acoplamento multi-escala, integrando ritmos naturais e sociais; (iii) reversibilidade de causalidades, em que origens e efeitos são performativamente constituídos no presente. Conclui-se que o movimento das danças, especialmente o das saias e corpos em roda, constitui uma forma de produção comunitária e política, em que o passado é continuamente presente e o tempo se experimenta como evento, não como linha linear. Assim, São Gonçalo atua como um agente cósmico mediador de uma temporalidade que se produz e é produzida pela vinculação comunitária. This essay derives from the Dances and Circles of Saint Gonçalo among Brazilian maroon and caiçara communities an ethnographic theory of helicoidal temporality. Drawing on ethnographic and musicological approaches, the work problematizes the historical origin of these festivities, traditionally associated with Portugal, and proposes an analysis that considers ancestry and cultural practices as constitutive—in the strong sense of the term—of the political community of these populations. It is grounded in theories that conceive rhythm as a technical apparatus (Foucault, 1979) and in reflections on non-linear temporalities (Mbiti, 1969; Martins, 1997), which recognize the circular, spiral, and helicoidal dimensions of lived time. The methodology included the analysis of historical sources, ethnographic accounts, and interviews with masters and participants of the Saint Gonçalo circles in Lagoa das Emas (PI) and Cananéia (SP). The results highlight three helicoidal markers: (i) restart with difference, in which each festivity creates its own temporality linked to ancestral cosmo-logics; (ii) multi-scalar coupling, integrating natural and social rhythms; and (iii) reversibility of causalities, in which origins and effects are performatively constituted in the present. It is concluded that the movement of the dances—especially the swirling of skirts and bodies in the circle—constitutes a form of community and political production in which the past remains continuously present and time is experienced as an event rather than as a linear sequence. Thus, Saint Gonçalo operates as a cosmic agent mediating a temporality that is both produced by and productive of communal bonds. Este ensayo deriva de las Danzas y Ruedas de San Gonçalo, entre comunidades quilombolas y caiçaras brasileñas, una teoría etnográfica de la temporalidad helicoidal. A partir de un enfoque etnográfico y musicológico, el trabajo problematiza el origen histórico de estas festividades, tradicionalmente asociadas a Portugal, y propone un análisis que considera la ancestralidad y las prácticas culturales como constitutivas —en el sentido fuerte del término— de la comunidad política de estas poblaciones. Se fundamenta en teorías que conciben el ritmo como aparato técnico (Foucault, 1979) y en reflexiones sobre temporalidades no lineales (Mbiti, 1969; Martins, 1997), que reconocen la circularidad, la espiralidad y la helicoidalidad del tiempo vivido. La metodología incluyó el análisis de fuentes históricas, relatos etnográficos y entrevistas con maestros y participantes de las ruedas de San Gonçalo en Lagoa das Emas (PI) y Cananéia (SP). Los resultados evidencian tres marcadores helicoidales: (i) reinicio con diferencia, en que cada fiesta crea una temporalidad propia vinculada a cosmo-lógicas ancestrales; (ii) acoplamiento multi-escala, integrando ritmos naturales y sociales; y (iii) reversibilidad de causalidades, donde los orígenes y efectos se constituyen performativamente en el presente. Se concluye que el movimiento de las danzas —especialmente el de las faldas y los cuerpos en rueda— constituye una forma de producción comunitaria y política, en la cual el pasado está continuamente presente y el tiempo se experimenta como evento, no como línea lineal. Así, San Gonçalo actúa como un agente cósmico mediador de una temporalidad que se produce y es producida por el vínculo comunitario.
Paixão e fé, identidade e memória: O lugar dos festejos religiosos e populares no imaginário poético-musical do Clube da Esquina
Este artigo investiga de que modo as festas religiosas e populares de Minas Gerais atravessam a construção da mineiridade no imaginário poético-musical do Clube da Esquina. Partindo da compreensão do imaginário como categoria fundante da realidade, o texto tem como objetivo investigar o lugar dos festejos e a própria relação entre memória, religiosidade e narrativa na formação estética e simbólica do movimento. A pesquisa aborda os conceitos de imaginário, memória coletiva e identidade, e lança mão de depoimentos inéditos de Márcio Borges, Murilo Antunes, Nelson Angelo, Nivaldo Ornelas, Toninho Horta e Wagner Tiso. Nessas narrativas memorialísticas, emergem lembranças da marujada, da folia de reis, dos congados e dos bois-de-janeiro, festejos que vêm como espaços de transmissão de saberes estéticos, religiosos e culturais. O artigo propõe uma leitura dessas memórias como testemunhos de um processo histórico e como matéria constitutiva da criação musical dos compositores, evidenciando o papel das sonoridades dos rituais e das práticas festivas na formação musical dos membros do Clube da Esquina. Ao situar essas experiências no contexto histórico da religiosidade mineira, marcada pela confluência entre o catolicismo popular e religiões de matrizes africanas, o texto busca compreender como a festa opera como lugar privilegiado de produção de pertencimento, atualização da memória coletiva e elaboração da narrativa da mineiridade no discurso e na canção do Clube da Esquina. This article investigates how the religious and popular festivals of Minas Gerais permeate the construction of "mineiridade" in the poetic-musical imagination of Clube da Esquina. Starting from an understanding of the imaginary as a foundational category of reality, the text aims to investigate the place of festivities and the very relationship between memory, religiosity, and narrative in the aesthetic and symbolic formation of the movement. The research addresses the concepts of imaginary, collective memory, and identity, and makes use of unpublished testimonies from Márcio Borges, Murilo Antunes, Nelson Angelo, Nivaldo Ornelas, Toninho Horta, and Wagner Tiso. In these memorial narratives, memories of the marujada, the folia de reis, the congados, and the bois-de-janeiro emerge—festivities that serve as spaces for the transmission of aesthetic, religious, and cultural knowledge. This article proposes a reading of these memories as testimonies of a historical process and as constitutive material for the musical creation of the composers, highlighting the role of the sounds of rituals and festive practices in the musical formation of the members of Clube da Esquina. By situating these experiences within the historical context of Minas Gerais' religiosity, marked by the confluence between popular Catholicism and religions of African origin, the text seeks to understand how the festival operates as a privileged space for the production of belonging, the updating of collective memory, and the elaboration of the narrative of Minas Gerais identity in the discourse and songs of Clube da Esquina.
Marujadas e Cheganças na Bahia Transformando a ‘guerra’ numa festa de paz e liberdade
O presente artigo traz a apresentação, tanto histórica como contemporânea do movimento das Cheganças e Marujadas na Bahia, que não são exclusivas desse estado, porem, formam uma grande rede renovada em torno de 30 grupos, que hoje são reconhecidos como patrimônio imaterial da Bahia (IPAC), inclusive lutando pelo reconhecimento como patrimônio brasileiro pelo IPHAN. Há 25 anos sendo retratados por alguns documentários da TVE pelo projeto Bahia Singular e Plural, a maioria das Cheganças e Marujadas não se conhecia e muitas vezes estava a ponto de desistir, quando se iniciou um grande movimento a partir do trabalho do Marujo e pesquisador Rosildo Rosario de Saubara, onde nessa pequena localidade, já havia uma concentração de três cheganças, incluso a primeira chegança feminina do Brasil. Depois de uma excursão histórica sobre o fenômenos desses grupos, inspirados na narrativa da Nau Catarineta entre outros, o texto segue apresentando ca. vinte grupos baianos diversos, designados com Cheganças, Marujadas e Lutas de mouros e cristão desde do Norte da Bahia ate o extremo Sul. Termina com uma reflexão sobre o lugar obsoleto do pensamento folclorista e nacionalista, mostrando a diversidade complexa e a estrutura profunda das cheganças que em seus aspectos estéticos, poéticos, musicais e cênicos revelam fundamentos africanos, aliados a elementos históricas ibéricas e transatlânticas, sem buscar um lugar de pureza e origem única, na liberdade de se reinventar, revelando as diversas baianidades possíveis nesse grande estado. This article presents preliminary research on the Cheganças and Marujadas movement in Bahia. While these groups are not unique to this state, they form a large, revitalized network of approximately 30 groups, recognized as part of Bahia’s intangible cultural heritage (IPAC). For the past 25 years, they have been featured in several TVE documentaries as part of the “Bahia Singular e Plural” project. Most of the Cheganças and Marujadas were unknown to one another and were often on the verge of giving up when a movement began, based on the research and leadership of Professor and Marujo Rosildo Rosário de Saubara in the Recôncavo region of Bahia; in this small municipality, there was already a concentration of three Marujada groups, including Brazil’s first all-female Chegança. After a historical tour in some Brazilian regions, exploring the characteristics, origins, and particularities of these groups—inspired, among other things, by the narrative of the Nau Catarineta—we present some of these specific groups from the Bahian territory, ranging from northern Bahia to the far south. Returning to the setting of Saubara, we learn about the Encontros das Cheganças, Marujadas, and Lutas de Mouros e Cristãos movement, which has taken place annually since 2013 in Saubara, where the Chegança de Marujos Fragata Brasileira managed to establish a Pontão de Cultura. Below are a few observations and reflections on the preliminary research into the acculturation process of these Luso-Moorish-Iberian festive traditions, which, depending on the Brazilian region, take on different characteristics and influences—including Indigenous and African ones: in the case of Bahia, and more specifically in the Recôncavo Baiano, Central African traits (Kubik, 2008) in the scenic and musical expressions. It concludes with a reflection on the transformation of festivals and celebrations rooted in oral tradition in the contemporary era, which are reinventing themselves in new formats created by communities and their leaders, revealing complex structures that embrace the diversity of their aesthetic, poetic, musical, and theatrical expressions, interwoven with the diverse “Baianidades” across its vast territory.
Drapo nou se fyete nou! (Nossa bandeira é nosso orgulho!): Sobre as relações entre música e identidade na Festa da Bandeira haitiana no Brasil
O presente artigo busca realizar uma análise etnomusicológica da Festa da Bandeira Haitiana em contexto brasileiro. Celebrada no dia 18 de maio por haitianos no Haiti e na transnacional diáspora haitiana, tal evento é data marcante no calendário e celebra mais do que a bandeira do Haiti uma identidade haitiana fundada na herança anticolonial e antirracista da Revolução Haitiana (1791-1804). Fundamentado em pesquisa etnográfica colaborativa conduzida entre artistas e a comunidade haitiana na cidade de Porto Alegre (RS), o artigo baseia-se na antropologia dos rituais e festas (DA MATTA, 1979; TESTA, 2014; HANDELMAN, 1990) e na literatura etnomusicológica sobre identidade e práticas expressivas em contextos diaspóricos (TURINO 2004; SLOBIN 1994, 2012; BAILY; COLLYER 2006; ZHENG 2010) para analisar a importância e significado da música e da performance musical para a (re)construção de uma identidade haitiana na diáspora. This article seeks to conduct an ethnomusicological analysis of the Haitian Flag Festival in the Brazilian context. Celebrated on May 18 by Haitians in Haiti and the transnational Haitian diaspora, this event is a landmark date in the calendar and celebrates more than just the Haitian flag: it celebrates a Haitian identity founded on the anti-colonial and anti-racist legacy of the Haitian Revolution (1791-1804). Grounded in collaborative ethnographic research conducted between artists and the Haitian community in the city of Porto Alegre (RS), the article draws on the anthropology of rituals and festivals (DA MATTA, 1979; TESTA, 2014; HANDELMAN, 1990) and on the ethnomusicological literature on identity and expressive practices in diasporic contexts (TURINO 2004; SLOBIN 1994, 2012; BAILY; COLLYER 2006; ZHENG 2010) to analyze the importance and meaning of music and musical performance for the (re)construction of a Haitian identity in the diaspora.
O Blues como festa e resistência: Sonoridades e territorialidades culturais na cidade do Rio de Janeiro.
Este artigo analisa o blues como prática cultural festiva e forma de produção de territorialidades urbanas em bairros da cidade do Rio de Janeiro. Partindo da compreensão da festa como experiência social capaz de reorganizar temporariamente os usos da cidade, o estudo investiga de que maneira os circuitos do blues produzem sociabilidades, pertencimentos e formas específicas de ocupação do espaço urbano. Em diálogo com a Geografia Cultural, a Etnomusicologia e os estudos sobre festas, a pesquisa compreende a música não apenas como expressão estética, mas como prática relacional que articula memória, performance, circulação e experiência coletiva. O trabalho concentra-se em eventos, jam sessions, festivais e encontros recorrentes realizados em bairros como Lapa, Gamboa, Laranjeiras, Centro, Copacabana e Tijuca, observando as dinâmicas sociais e espaciais construídas nesses ambientes. Metodologicamente, adota-se uma abordagem qualitativa baseada em revisão bibliográfica, observação participante e etnografia multissituada, incorporando também a experiência do pesquisador enquanto músico atuante da cena blues carioca. Os resultados evidenciam que o estilo opera simultaneamente como celebração e resistência cultural, criando territorialidades afetivas e circuitos urbanos marcados pela partilha de experiências musicais, pela construção de vínculos sociais e pela ressignificação temporária dos espaços da cidade. Assim, o artigo demonstra que as práticas festivas ligadas ao blues participam ativamente da produção da vida urbana contemporânea, instaurando formas alternativas de convivência, circulação cultural e pertencimento no Rio de Janeiro. Este artículo analiza el blues como práctica cultural festiva y como forma de producción de territorialidad urbana en los barrios de Río de Janeiro. Partiendo de la concepción de la celebración como una experiencia social capaz de reorganizar temporalmente los usos de la ciudad, el estudio investiga cómo los circuitos de blues generan sociabilidad, sentido de pertenencia y formas específicas de ocupación del espacio urbano. En diálogo con la Geografía Cultural, la Etnomusicología y los estudios sobre festivales, la investigación entiende la música no solo como una expresión estética, sino como una práctica relacional que articula memoria, interpretación, circulación y experiencia colectiva. El trabajo se centra en eventos, jam sessions, festivales y encuentros recurrentes que tienen lugar en barrios como Lapa, Gamboa, Laranjeiras, Centro, Copacabana y Tijuca, observando las dinámicas sociales y espaciales que se construyen en estos entornos. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo basado en la revisión bibliográfica, la observación participante y la etnografía multisituada, incorporando además la experiencia del investigador como músico activo en la escena blues de Río de Janeiro. Los resultados muestran que este estilo funciona simultáneamente como celebración y resistencia cultural, creando territorialidades afectivas y circuitos urbanos marcados por el intercambio de experiencias musicales, la construcción de vínculos sociales y la reasignación temporal de significados a los espacios urbanos. Así, el artículo demuestra que las prácticas festivas vinculadas al blues participan activamente en la producción de la vida urbana contemporánea, estableciendo formas alternativas de convivencia, circulación cultural y pertenencia en Río de Janeiro. This article analyzes the blues as a festive cultural practice and as a form of producing urban territorialities in neighborhoods of the city of Rio de Janeiro. Based on the understanding of festivity as a social experience capable of temporarily reorganizing the uses of the city, the study investigates how blues circuits produce sociabilities, senses of belonging, and specific forms of occupying urban space. In dialogue with Cultural Geography, Ethnomusicology, and studies on festivals and celebrations, the research understands music not merely as an aesthetic expression, but as a relational practice that articulates memory, performance, circulation, and collective experience. The study focuses on
O Pagode e a identidade do sambista: O caso de Candeia no Partido em 5
Em meados dos anos 1970, o sambista e compositor Candeia (Antonio Candeia Filho, 1935-1978) envolveu-se com pelo menos três projetos, quais sejam, a fundação do G.R.A.N.E.S. Quilombo (1975), o lançamento de dois discos intitulados Partido em 5 (Vols 1, 1975, e 2, 1976) e o lançamento do livro Escola de Samba, Árvore que Perdeu a Raiz (1978), escrito em parceria com Isnard Araújo. Julgamos que estas três ações possuíam um ponto em comum: buscavam reaver o protagonismo do sambista em relação ao próprio samba frente àquilo que diversos sambistas (especialmente Candeia) enxergavam como descaminhos do gênero. O presente artigo tratará especificamente dos LPs, sem perder de vista que tais ações parecem compor um único projeto. Em nossa argumentação, os Lps Partido em 5 são parte fundamental da ação de Candeia e demais sambistas presentes nas gravações que, ao buscarem simular o ambiente de um pagode por meio de gravações comerciais, também recuperam e divulgam práticas tradicionais relacionadas às escolas de samba, como o samba de terreiro e o samba de partido-alto. Através de uma breve descrição tanto dos discos como dos eventos percebidos nas gravações, procuramos demonstrar que, ao invés de propor mudanças técnicas ou estilísticas, apontam para a valorização de aspectos sonoro-afetivos de uma reunião de sambistas, trazendo para o primeiro plano a relevância desses eventos na construção simbólica de sua própria realidade e delineando a importância da prática coletiva na construção da identidade (sonora) do sambista. In the mid-1970s, samba artist and composer Candeia (Antonio Candeia Filho, 1935-1978) was involved in at least three projects: the founding of G.R.A.N.E.S. Quilombo (1975), the release of two albums entitled Partido em 5 (Vols 1, 1975, and 2, 1976), and the publication of the book Escola de Samba, Árvore que Perdeu a Raiz (1978), written in partnership with Isnard Araújo. We believe that these three initiatives had one thing in common: they sought to reclaim the samba artist's leading role in samba itself, in the face of what many samba artists (especially Candeia) saw as the genre's misdirection. This article will focus specifically on these LPs, bearing in mind that these initiatives appear to comprise a single project. In our argument, the Partido em 5 LPs are a fundamental part of the work of Candeia and other samba artists present in the recordings who, by seeking to simulate the environment of a pagode through commercial recordings, also recover and disseminate traditional practices related to samba schools, such as samba de terreiro and samba de partido-alto. Through a brief description of both the records and the events perceived in the recordings, we seek to demonstrate that, rather than proposing technical or stylistic changes, they point to the valorization of the sound-affective aspects of a meeting of samba musicians, bringing to the foreground the relevance of these events in the symbolic construction of their own reality and outlining the importance of collective practice in the construction of the samba musician's (sound) identity.
Impactos das políticas públicas de cultura na Paraíba
O presente resumo expandido tem como objetivo refletir sobre as Políticas Públicas de Cultura na Paraíba, em especial, as realizações, efetividade e impactos da Lei nº 7.694 ou “Lei Canhoto da Paraíba”, na vida das mestras e mestres da cultura popular, ao longo de mais de dez anos de sua implementação. Utilizamos como metodologia o estudo de caso, com foco na vida da Mestra Maria da Penha dos Anjos Nascimento - Mestra Penha Cirandeira. A interlocução com a Mestra Penha foi feita através de entrevista, generosamente concedida às autoras e autores deste trabalho. Concluímos que mesmo diante das suas lacunas, a citada Lei tem impactado positivamente a vida das mestras e mestres da cultura popular na Paraíba.
Mestras e Mestres Paraibanos; Mestra Penha Cirandeira; Lei “Canhoto da Paraíba”; Políticas Públicas de Cultura; Cultura Popular
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O presente trabalho é um relato de experiência sobre o Ciclo Terapêutico Masani, grupo terapêutico proposto pela Associação Brasileira de Etnomusicologia (ABET) e realizado pelo Instituto Estrela Preta (IEP). O Ciclo Masani é um grupo terapêutico que oferta um espaço de cuidado em saúde mental para estudantes de graduação e pós-graduação do curso de Música, professores e professoras de Música em projetos sociais. Utilizando referenciais da psicoterapia em grupo e musicoterapia, as psicólogas identificam que o espaço terapêutico grupal é muito fértil para o cuidado em saúde mental dos estudantes, professoras e professores de música.
Processos grupais; Saúde mental; Psicologia; Musicoterapia
O presente texto traz um relato sobre minha experiência enquanto mulher negra, cantora e sambista em um espaço acadêmico. Através dessa escrita, reconto minhas vivências boas e ruins, de minha trajetória até chegar a esse mundo transformador do Ensino Superior, trilhada pelos caminhos da educação. As reflexões que apresento aqui são um passeio pelas minhas memórias de infância, adolescência e vida adulta, onde evidencio que minha relação com a música, injustiças e violências de todas as vertentes fizeram parte de minha jornada desde muito cedo. Partindo dessas experiências, o texto apresenta um despertar para a vida e uma virada de chave de suma importância para os caminhos que decidi traçar em minha caminhada pessoal e profissional através dos estudos em música, violência e gênero em ambientes de conflito durante minha pós-graduação. Nele, também apresento minha experiência enquanto mulher de pele preta enquanto estive como vice-presidente da ABET, em uma gestão afirmativa, majoritariamente negra, e como precisei enfrentar as questões de racismo institucional, como um problema estrutural e social que, de “velado”, não tem nada.
Música; gênero; violências; estudos; gestão; racismo estrutural
Como a maioria das sociedades africanas, há evidências abundantes de que os Akan, na África Ocidental, desenvolveram métodos sofisticados nas artes visuais e musicais (ou artes expressivas) para registrar e preservar experiências históricas, expressar uma visão de mundo religiosa e filosófica e criar sociedades com valores sociais únicos. Os textos historicizados das trombetas de marfim, flautas, tambores, canções, poesias dos Kwadwomfoɔ (Cantores Cronistas), poesias referenciais dos Abrafoɔ (a Constabulária) e a escrita pictográfica Adinkra testemunham amplamente a presença inegável das artes expressivas na sofisticação sociopolítica e econômica dos Akan. Neste artigo, utilizo um dos textos da suíte de dança Fontomfrom Akantam (Juramento) como ponto de partida para responder à discordância de Kwasi Konadu (2015) com historiadores do final do século XIX e do século XX, que não consideraram as artes expressivas como fundamentais para a civilização Akan. Para abordar as questões levantadas e complementar o discurso mais amplo sobre a história sociopolítica e econômica dos Akan, especulo sobre os processos formativos do desenvolvimento musical Akan, a construção de instrumentos sonoros e musicais, bem como o surgimento da música de corte, das formas de arte verbal, dos conjuntos vocais comunitários e dos gêneros de percussão e dança, desde a Idade da Pedra até o presente. Minha análise considera a Idade da Pedra, de aproximadamente 2000 a.C. a 500 a.C., conforme proposto por James Anquandah (1982), e as três amplas fases cronológicas do desenvolvimento histórico e cultural Akan descritas por Kenya Shujaa (2015), a saber: a Idade do Ferro Inicial (500 a.C.–500 d.C.), a Idade do Ferro Média (500 d.C.–1500 d.C.) e a Idade do Ferro Tardia (1500–1900).
Dossiê Etnomusicologia Negra: Caminhos, Contribuições, Pensamentos e Legado
Civilização e História Akan; Cultura Akan; Produção Sonora e Instrumentos Musicais; Continuidade.
O presente artigo descreve e reflete sobre a experiência de criação de uma disciplina intitulada “Aquilombamento: raça, cultura e práticas sonoras negras” no Instituto Villa-Lobos, escola de música da UNIRIO. À luz de uma variada bibliografia sobre relações raciais, apresenta-se ainda uma análise a respeito das vivências no Programa de Pós-Graduação em Música da UNIRIO, contexto gerador da disciplina coletiva que resultou também na criação do “Coletivo Negro e Grupo de Pesquisa Elza Soares”.
Aquilombamento; Relações Raciais; Sonoridades Negras; PPGM/UNIRIO
Do “desconforto” ao encontro comigo mesma
O presente artigo tem como objetivo fazer uma análise de alguns dos episódios inaugurais e posteriores da história da Etnomusicologia, especialmente aquela feita a partir de África ou da diáspora africana, tendo como referência alguns autores que se debruçaram sobre o assunto tanto no Brasil quanto no exterior e, em particular, autores que inseriram tal produção de conhecimento no âmbito das relações étnico-raciais, como o ganês Kofi Agawu ou o zimbabuano Mhoze Chikowero, evidenciando, assim, relações de poder e desequilíbrios cujos efeitos foram, por um lado, mitigar o epistemicídio imposto aos povos afrodescendentes pela branquitude colonial (ou neocolonial) e, por outro, negar à população negra o protagonismo no contexto de suas próprias formas de expressão, impedindo-a de trazer à baila suas narrativas e, portanto, silenciando-a no decurso da história. Sob essa perspectiva, o objetivo é investigar que espaços caberiam ao etnomusicólogo/a negro/a que se vê diante desse desconforto causado pela tendenciosa trajetória da disciplina.
Relações étnico-raciais; Etnomusicologia africanista; racismo; história da Etnomusicologia.
O presente artigo trata do conjunto de práticas caracterizadas como “entrudo” e busca identificar as disputas envolvidas em tal contexto, além de abordar o conjunto de construções simbólicas envolvidas, sendo as práticas sonoras sua principal expressão. A partir de tais elementos, o texto tem por objetivo desenvolver uma discussão a respeito da “violência” – componente constante dos festejos – seus sentidos e complexidades.
Entrudo; violência; práticas sonoras; relações raciais.
Possíveis Contribuições da Etnomusicologia Para a História Social do Carnaval
O presente artigo procura apontar possíveis contribuições advindas dos acúmulos da Etnomusicologia para a historiografia brasileira que versa sobre música e festas populares, com especial foco para a história social do carnaval do período entre a porção final do século XIX e o início do XX. Abre-se, ainda, um espaço de caráter mais ensaístico aonde se elabora uma reflexão sobre a questão da alteridade (elemento fundante do campo disciplinar etnomusicológico), limites e contradições da disciplina, apontando, em contraponto, para outros horizontes possibilitados pelo surgimento de novos sujeitos sociais e políticos enquanto pesquisadores de tal campo.
História Social do Carnaval; Etnomusicologia; alteridade; relações raciais.
O trabalho discute as toadas de maracatus-nação, manifestação cultural afrodiaspórica, especialmente as cantadas pelo Maracatu Leão Coroado, o mais antigo grupo de Pernambuco em atividade ininterrupta, funda-do em 1863, sedeado em Olinda, Região Metropolitana do Recife. As toadas, cantigas geralmente curtas, são a parte cantada e acompanhadas pelo baque (trabalho do conjunto percussivo) nas saídas em cortejo dos maracatus. Historicamente, as toadas tiveram pouca atenção de estudiosos do maracatu e seus versos foram interpretados como reminiscência cultural do passado e negativados. São abordadas aqui como cantos de resistência, reexistência e “letramentos de reexistência” dos integrantes na sua luta em defesa da identidade, contra o racismo e por melhorias de vida. O trabalho se baseia nas vivências e pesquisas com a comunidade do Leão Coroado e em interações entre este pesquisador e outros grupos de maracatu, esteando-se em conceitos e noções de Etnomusicologia e de ciências humanas. A análise traz à tona a força simbólica da toada, o modo como através dela os integrantes ressignificam o maracatu, resistem, adquirem conhecimento para reexistir e produzem sentidos no presente.
Toada; Reexistência; Maracatu; Manifestação cultural afrodiaspórica; Música tradicional do Brasil e de Pernambuco.
A cultura Yorùbá tradicional vive, se preserva, transforma, é dinâmica, transmitida e assegurada pelos àwò, povos originários, Ìyánífá, Ìyáláwo, sacerdotes de Ifá e diversas famílias tradicionais. Possuindo uma língua tonal, a música tem grande valor e importância para o seu povo, constituindo elemento imprescindível em suas rotinas e estruturas sociais que vão desde festejos simples à cerimônias religiosas e ritualísticas. O presente trabalho se configura em um relato autobiográfico de um mestre percussionista e bàbáláwo sob a sua perspectiva e percepção em relação à cultura tradicional Yorùbá e sua influência na cultura e música brasileira. Também fala sobre as diferenças na produção do conhecimento, seu funcionamento e disseminação nas culturas ocidentais em relação à cultura tradicional yorubana. E como os processos de racismo e preconceitos vinculados a essas diferenças, dificultam a comunicação, compreensão, disseminação do conhecimento e aprendizagem da cultura Yorùbá, suas influências e reminiscências na cultura afrodescendente no Brasil.
Diferenças entre a Etnomusicologia Brasileira e a Etnomusicologia "Mundial”
Este artigo se propõe a debater as principais características da Etnomusicologia brasileira, trazendo um paralelo com a Etnomusicologia “mundial” – aquela monopolizada por pesquisadores nascidos ou radicados na Europa e, sobretudo, nos EUA pelo domínio econômico e ideológico. A distinção realizada leva em consideração a realidade material e histórica do Brasil a fim de compreender algumas determinações e limitações da disciplina no país, principalmente no que se refere às práticas acadêmicas. Esmiuçando os limites da Etnomusicologia como disciplina teórica-prática, o artigo atenta-se a apontar algumas tensões que sua expansão no ensino superior brasileiro pode causar, dessa forma, mencionando o caráter conservador e elitista ainda presente em muitas Universidades. Nesse sentido, usando como ponto de partida os levantamentos feitos por Carlos Sandroni sobre o estado da disciplina no país em 2008, este trabalho indica a necessidade de nos consolidarmos como disciplina crítica para discutir mudanças necessárias na sociedade brasileira através da práxis.
Epistemological interfaces of Ethnomusicology
Este artigo convida os etnomusicólogos a aventurarem-se além das fronteiras sugeridas pelas definições descritivas de seus predecessores e a formularem uma definição inclusiva que afirme a nova práxis etnomusicológica diante dos desafios atuais. A definição inclusiva deve articular, entre outros aspectos, o objetivo de estudo pretendido que foi negligenciado no passado.
Etnomusicologia; Epistemologia; Práxis etnomusicológica; Modelos teóricos.
Carta do Organizador do Dossiê “Etnomusicologia Negra: Caminhos, Contribuições, Pensamento e Legado”, Professor Dr. Pedro Fernando Acosta da Rosa